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"El arte es anacrónico en sí mismo"

22/02/2010 23:00 0 Comentarios Lectura: ( palabras)

Friedrich Meschede (Berlín, 1955), historiador del arte, teólogo y comisario, es desde 2008 el director de exposiciones del MACBA, el Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. Provienente del Berliner Künstlerprogramm (DAAD) de Alemania, donde dirigía el departamento de Artes Visuales, es

autor de más de un centenar de publicaciones y ha comisariado a lo largo de su trayectoria profesional innumerables exposiciones de arte contemporáneo y ha trabajado con artistas como Ayse Erkmen, Douglas Gordon, Rachel Whiteread, Matt Mullican, Christopher Wool, Marina Abramovic o Damián Ortega.

Meschede recibe a hoyesarte.com para hablar de su nuevo proyecto expositivo, Rodney Graham: A través del Bosque, que se exhibe en el MACBA hasta el próximo 18 de mayo.

¿Cómo surge la idea para el proyecto? ¿Por qué Rodney Graham?

Hay varias razones. Ésta es mi primera propuesta expositiva en MACBA. Consideré oportuno mostrar la obra de un artista que tiene mucho que ver con Barcelona. Él estuvo ya aquí en el 92 en una exposición en el Centre d'Art Santa Mónica y después otra vez en el 94 en Espai Poblenou presentando una gran exposición individual en la que se pudo ver Halcion Sleep por primera vez, momento en el cual el MACBA todavía no existía.

En 2005 vi una muestra en Berlín titulada Picasso My Master en la que había mucho humor y ambas ideas me llevaron a pensar que era una iniciativa perfecta para mi primera exposición en Barcelona.

Es una cuestión compleja; mi idea era la de concentrarme en un artista cuyos primeros trabajos e influencias han sido algo olvidados, me interesaba mostrar sus primeros trabajos más conceptuales y sus obras basadas en textos escritos. Rodney Graham, es uno de los artistas conceptuales más importantes de su generación y se hizo muy conocido a raíz de su participación en 1997 en la Bienal de Venecia, momento en el que otra fase artística comienza. A mi me interesaba mostrar lo que hay detrás del Rodney Graham que se conoce hoy.

"Veo el arte minimal como la última vanguardia y, después, surge la necesidad de empezar otra vez. 'Appropriation art' es siempre un nuevo comienzo"

La exposición viajará a Basilea y Hamburgo, ¿cómo se adaptará ésta a dichas sedes?

La exposición de Rodney está específicamente pensada para el espacio arquitectónico del MACBA. Por otro lado, me interesaba planteárselo a mis colegas en Hamburgo y Basilea. Graham había tenido exposiciones en Colonia, Munich, Berlín, pero nunca antes se había expuesto en Hamburgo. Dada su tradición artística y el romanticismo alemán que está representado en la Kunsthalle, consideré muy importante mostrar estos puntos de unión. Con Basilea fue muy fácil ya que ellos estaban planeando invitar a Rodney también y aceptaron mi concepto inmediatamente. La alegoría de locura tiene también un elemento de unión con Erasmo de Rotterdam quien tiene una relación estrecha con Basilea y una presencia en obra de Graham.

Además de todo esto, Rodney tiene grandes coleccionistas en Suiza donde tampoco ha habido una muestra importante así que todo el país se beneficiaría con ello.

El concepto se tendrá que adaptar a sus espacios y es posible que algunas obras se queden fuera. Este mes viajare a Basilea con Rodney para estudiar su perfecta adaptación al espacio. En MACBA se sigue una línea especifica que no sabemos si podrá repetirse en las otras sedes pero el núcleo de la exposición, lo que yo llamo la Biblioteca, que está ubicada en la rotonda aquí en MACBA, continuará a su vez siendo el espacio más relevante en las otras dos sedes.

Graham parece buscarse a sí mismo para expresarse en lo ajeno. ¿Cómo funciona el concepto de identidad en su obra?

Diría que, en general, cada artista tiene problemas con su identidad, es por ello que son artistas... y cada uno de ellos trata de buscar su propia solución, su lugar en el mundo del arte y en el contexto de la historia del arte. Rodney Graham tiene una forma muy especifica de conseguirlo, lo hace mediante lo que llamamos "appropriation art" pero de una manera diferente a las iniciativas seguidas por artistas como Sherrie Levine, y otros. Rodney lo hace buscando su alter ego dentro de la literatura, en la historia del arte, en la historia del cine o incluso de la música. Siempre hay una investigación exhaustiva detrás de algo que le fascina, como puede ser una figura histórica recientemente descubierta por el artista, en el que asienta esta idea de alter ego.

Las dos exposiciones que hay ahora mismo en el MACBA tocan este tema de "appropriation art". Un movimiento que surge en un contexto y un tiempo muy especifico, ¿cuan relevante es el uso de esta practica hoy en día?¿No resulta ésta un tanto anacrónica?

Creo que, especialmente si tomamos la generación de Rodney Graham, los artistas a veces no tienen otra salida, "appropriation art" es la única. Es quizás el movimiento más influyente desde el arte conceptual minimal, con sus estilos y formas, para mi éste es quizás el último arte de vanguardia, el final de algo. Si, por supuesto que es anacrónico, pero el arte es anacrónico en sí mismo, todo el sistema del arte es anacrónico. Hay algo de muy conservador, los artistas están buscando algo que falta, quieren conservar algo y transformarlo a otro medio para mantener una idea o valor que ellos creen que se ha perdido. Por esta razón, veo el arte minimal como la última vanguardia; y teniendo en cuenta esta idea de que no puedes ir mas allá después del cubo o el cuadrado o la forma más minimal, surge la necesidad de empezar de nuevo, "appropriation art" es siempre un nuevo comienzo...

"El humor esta muy presente en las obras de Rodney Graham, en las que reacciona sobre algo que él encuentra en su condición de flaneur"

Dentro de la exposición nos encontramos con un libro escrito por el propio artista, al cual la audiencia no tiene acceso, ¿qué es lo que este libro representa? ¿qué narra?

Es verdad, la audiencia no puede acceder a él pero a la vez no es del todo cierto. La versión inglesa de la novela se concibió como una edición limitada y está hoy agotada. La edición francesa está todavía disponible en el mercado por 20 euros y la gente la puede adquirir. La obra no fue muy popular, Graham no es conocido como escritor, y a pesar de estar disponible desde hace años a un precio muy asequible, nadie la compró, nadie estaba interesado. En el contexto de A través del Bosque actúa como un referente, un fenómeno visual, con el que me interesaba mostrar las formas de traducción, y no tanto el hecho de leer dicha obra. Los protagonistas de ambas obras son mas o menos el mismo tipo de personaje, ambos se perdieron en la oscuridad del bosque, metáfora de toda la exposición de Rodney Graham.

Hay algo oscuro detrás de la idea del bosque y la idea de los sueños. El propio autor al inicio de su carrera estuvo muy influenciado por los escritos de Freud. ¿Qué hay de sueño o de pesadilla en los mundos creados por Graham?

Creo que hay mucho más de pesadilla que de sueño, Graham está muy interesado en Edgar Allan Poe cuya complejidad como escritor le lleva a crear relatos en los que representa el lado oscuro de la vida.

También le interesa Freud y el estudio del subconsciente. Tiene un gran afán por descubrir más sobre este terreno, este área de nuestra constitución psicológica de la que no podemos saber más puesto que no hay una ciencia o camino científico que se adentre en ello. Se queda en especulación, se basa en la ciencia de la psicología e incluso esto es solo una oferta, un planteamiento que no puede ser probado. Rodney estaba fascinado por este fenómeno.

Se vuelve quizás más positivo al asociarse con la pieza Halcion sleep y el consumo de estupefacientes y el alcance de una situación donde se sueña despierto que ha fascinado tanto a la generación de Graham.

En sus trabajos, Graham toma como punto de referencia a un montón de "estandartes" de la modernidad, como hemos visto Poe, Freud, Wagner... ¿Cual es su relación con Judd y su obra? ¿por qué le elige a él?

Creo que no hay tal relación con Judd. Desconozco si se llegaron a conocer o no y cuál fue su reacción si en algún momento Judd llego a tener conocimiento de estos trabajos. Las primeras cajas se hicieron cuando éste estaba todavía vivo... pienso que no le hubiera hecho mucha gracia el ver sus obras como estanterías. Por el contrario, el humor esta muy presente en las obras de Graham, en las que reacciona sobre algo que él encuentra en su condición de flaneur, esta idea del siglo XIX, que aparece en la literatura alemana, en Walter Benjamin y otras figuras. Esta manera particular de leer el mundo y encontrar este algo. Es la parte cómica de su trabajo, no todo esta dentro de esta idea de oscuridad. El humor significa distancia, distancia para con Judd y para con otros artistas que el ha refenciado.

Pero como apuntaba anteriormente este es un gesto significativo, las estructuras de Judd representan el final de algo, no puedes ir mas allá, no puedes hacer mas minimal, así que Graham lo transforma en lo contrario y lo usa como un caja en donde emplazar algo. Lo que se emplaza en esta escultura minimalista convertida en estantería se convierte inmediatamente en algo muy significativo.

Este concepto de vacío que guarda la obra de Judd puede verse dentro del contexto del subconsciente de la misma forma que la oscuridad del bosque. Considero que los une la idea del subconsciente, definitivamente no tiene nada que ver con una cuestión de estilo, o el usarlo como una referencia de la historia del arte. Es algo así como un subtitulo para ambos.

"Cuando alguien tan activo y productivo como Picasso, que ya ha hecho casi todo, ¿qué queda después?, ¿qué se puede hacer después de Picasso?"

Teniendo en cuenta este concepto de humor y desorientación presente en la obra de Graham, quería preguntarle ¿cómo encaja la serie Picasso, my master dentro del contexto de A través del bosque?

Rodney admira profundamente a Picasso. Esta serie recoge la misma idea que podíamos ver en Judd. Cuando alguien tan activo y productivo como Picasso ha ya hecho casi todo lo que se puede hacer, abstracción, cubismo, expresionismo, clasicismo, todo lo que se encuentra dentro de la producción de Picasso, ¿qué queda después?, ¿qué se puede hacer después de Picasso?. Es otra vez esta idea llena de humor de que lo único que queda es empezar donde ellos terminaron. Y así empezó a hacer pinturas, fascinado por la distribución de los colores en el lienzo.

El concepto casi inevitable de "loop" o repetición esta presente a través de los diferentes medios en toda su obra, ¿qué significa esto para el artista? ¿Sigue la misma idea de que no podemos ir mas allá?

El concepto de "loop" o bucle en arte esta relacionado con la idea de melancolía. Esta idea de encontrar algo que no se quiere perder, que se quiere conservar, usar, ver una y otra vez. Se descontextualiza del concepto narrativo y se muestra sin parar una y otra vez. Es la metáfora de la melancolía, el miedo a que algo se pierda. La idea de que pierdes algo al mismo tiempo que disfrutas de algo cada vez que esto sucede.

Se ha descrito en muchas ocasiones a Graham como "amateur". En el contexto de la exposición lo vemos construyendo cámaras, zambulléndose en el mundo de la pintura...¿cómo cree que encaja esta idea en relación con su obra?

El amateur está en relación con la idea freudiana. Un artista interesante aparece cuando éste admite que no es un experto. El arte es algo diferente a cualquier otra ciencia o cosa en el mundo. Y este estado de "amateur" esta estrictamente en relación con la idea de subconsciente, la idea de continuar la búsqueda de algo nuevo, insertarse en otro terreno en el cual no se es experto, y descubrir nuevos medios como la pintura, escultura, fotografía, etc. Por supuesto, es experto de la técnica pero es un amateur en la manera en la que invita a las personas descubrir las cosas por ellos mismo. No es un planteamiento cerrado, donde el se posiciona como artista experto, es una invitación para pensar más profundamente en el significado de sus obras.

Vemos oscuridad pero también mucha luz, un elemento muy presente en su obra. ¿Cómo se ve reflejado este aspecto en la exposición?

Esto se percibe en todo momento en el contexto expositivo, hay muchos flashes, muchas videoproyecciones. Chandelier es esencial, es la proyección de un candelabro. Éste de por si da luz y se presenta aquí a través de una maquina que produce luz. Se podría hacer un juego de palabras usando el inglés: "light". En inglés, "light" es una palabra muy cercana a "enlightment".

El usa la luz como un fenómeno que hace algo visible, a través de la fotografía, del video, sin luz no hay impresión fotográfica. Es una metáfora intelectual, la luz te mantiene pensando, abre tu mente y esto es lo mejor y lo único que puedes sacar del arte.

"El arte es algo diferente a cualquier otra ciencia o cosa en el mundo"

¿Cuál esta siendo la recepción de A través del bosque?

Hay siempre diferentes niveles. Los coleccionistas, galerías y personas que vinieron a la inauguración han quedado muy contentos ya que tuvieron la oportunidad de ver un nuevo punto de vista, otra estructura dentro de la producción de este artista tan consagrado.

Creo que la exposición también ha impactado al publico general, por supuesto siempre hay diferentes niveles de recepción y quizás no todos se adentren profundamente en los conceptos de la exposición, pero lo mas importante es que puedo ver que la audiencia dedica mucho tiempo cuando se adentra en A través del bosque.

¿Cuál es su próximo proyecto como comisario de exposiciones temporales en el macba?

Iremos un poco mas atrás en el tiempo para el próximo proyecto en el que presentaremos una exposición sobre el artista y galerista alemán Konrad Fisher. Fischer que trabajo con artistas de la talla de Gerhard Richter y Sigmar Polke entre otros, acabaría convirtiéndose en un comisario muy influyente. A finales de la década de los 60, Fischer invito a varios artistas americanos a exponer en Europa por la primera vez. Entre 1967-1969 el arte minimal y conceptual llega a Europa a través de esta figura de vital importancia que contribuirá a su posterior desarrollo y distribución en el continente.


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